Kunst og foto

Kunst følger handel, og feinnoseurskab følger kunst. Amsterdam og New York blev centre for kunst gør først efter lokalbefolkningen tjente formuer. Ars gratia artis (“kunst for kunstens skyld”) har sine forsvarere, men det giver en dårlig forretningsmodel og for kunstnere med permanente dagjob – som servitors for lokalbefolkningen, der stræber efter at tjene formuer. Og hvem, uanset hvor høje ens æstetiske idealer, ønsker at være den eneste i byen ikke at tjene penge? På sporet af de kunstnere, der kommer på sporet af forretningsfolk og bankfolk kommer galleriet ejere. De kan med rette tro på den transformative magt kunst, men at høre dem tale i sidebars på auktionshuse og på kunst messer er at høre kunst talt om som en vare: “Jeg lod Miriam har køre af baglokalet før showet, og hun greb Damien Hirst; Jeg flyttede både Warhols og en Larry Rivers den første aften …”

fotografi

I det første århundrede og forandring siden sin opfindelse, fotografi sjældent lidt af sådanne utilitaristiske, men nødvendige forringelser af kunstleverandører, fordi det ikke blev betragtet som en ordentlig kunst, meget i den måde, at romaner blev nydt, men blev ikke betragtet som sande litteratur i lang tid efter deres popularitet var blevet sikret. Emnet er en debat, men det er muligt at se til 1969, året for åbningen af Witkin Gallery i New York, som den afgørende tur, der tog fotografering på vej til accept som samleobjekter kunst. Der var uformelle regler: sort & hvid kun, tak. Priserne var denomineret i hundredvis af dollars, i hovedsagen, men det var alle ganske forskud for et medium længe holdt i mistanke på grund af sin afhængighed af en mekanisk anordning, der anvendes af næsten alle. Selv nu er der purister, der insisterer på, at hvis et kamera kan lave kunst, så kan en dåseåbner.

Kunstfotografering

“Kunstfotografering” var kommet af alder æstetisk længe før: i 1920’erne, da det generelt holdt op med at forsøge at ligne impressionistisk maleri og fandt sin egen visuelle “grammatik”, for at låne en sætning fra musik, musik lånt fra at skrive. Forskellige skoler udviklet, men de var forenet i tanken om, at et fotografi kan være kunst, og at en kunst fotografi er en åbenbaring af visuel sandhed, indvindes i monokrom og to dimensioner. Fotografi havde et par relativt afsondret årtier til at sætte sine egne æstetiske standarder og til at udvikle en kollektiv oeuvre. På den forretningsmæssige side, begyndte de store auktionshuse handel med fotografiske udskrifter-omtrent lige så sikker på et tegn på mainstream accept som en avantgarde skuespiller tjener sin egen tv-serie.

Værdigradueringer blev ikke blot tildelt i kraft af nummerering af udgaven, som med andre former for trykning, men ved afstanden i tid fra negativ til tryk, med vintage prints- dem, der foretages på eller i nærheden af tidspunktet for eksponeringen af de negative-er den mest værdifulde. (En “vintage print” er blevet defineret som en lavet af fotografen, før han lærte at udskrive korrekt, og det er ofte tilfældet, at senere udskrifter, lavet med fordel for bakspejlet og bedre teknologi, er ikke kun langt billigere end tidligere, men også langt overlegen i kvalitet.) I et medium, hvor blow-ups kan være store eller små, når det kommer til værdi, størrelse spørgsmål, med prisen går noget i forhold til print størrelse.

gallerier

Fællesskabet af gallerier, der udviklede sig omkring omfavnelse af fotografering som kunst var en engageret kerne, groft fordelt blandt: (a) dem med øje mod banebrydende værker i nuancer af sepia skabt i det nittende århundrede; b) sælgere af de to klassiske bevægelser i det tyvende århundrede: “gadefotografering” bragt til at bære frugt, især i USA og Frankrig, ved indførelsen af Leica 35mm kameraet, og de store negative, detaljerige værker i forrevne nuancer af sort og grå lavet af gruppe f/64; og (c) de modige og de få villige til at støtte moderne fotografering, herunder (omsider) farve værker.

For et moderne medie, hurtigt fotografering afgjort i en periode med klassicisme, med mange af sine gamle mestre stadig i live og med de mest sjældne og eftertragtede fotografiske prints handel i tusinder og endda titusinder af dollars. Og så hvilede fotografering markedet, motoren summende i tomgang, ser med vantro som markedet for samtidskunst i alle medier begyndte et kapløb fra rationalitet. Der er en række grunde til, at det skete, men den enkleste er, at ligesom kunst følger penge, ny kunst følger nye penge. Med mange gode værker af de store døde af kunsthistorie allerede i museer og private samlinger, moderne kunst repræsenteret åben, unharvested jorden.

Og hvis du er ny til indsamling, er det nemt at blive fanget i synet af det hele: arrangører af kunstmesser som Art Basel Miami og TEFAF Maastricht prale af antallet af private fly besøger deres årlige arrangementer. Moderne kunstnere er bekvemt endnu blandt de levende, så der er sjovt i at møde dem, og fordi de er i live, har de udpeget gallerier, der repræsenterer dem, danner et netværk af relationer baseret på penge, fester og generelle kammeratskab. Og det faktum, at du ikke rigtig behøver at have studeret eller ved meget om kunsthistorien for at indsamle, hvad der er nyt i kunsten, kan ikke undervurderes; du kan have masser af stille tid på din private jetfly til at læse Jacob Burkhardt eller Kenneth Clark på Titian eller van Dyck, men hvem ville underholde de gæster, du har medbragt for at se dig bruge $ 100.000 for et lærred af en lovende otteogtyve-årige fra Yunnan-provinsen eller Macon County?

medie af samtidskunst

Omkring århundredeskiftet begyndte ordet at filtrere ud af Paris, at fotografering blot var endnu et medie af samtidskunst. Det kunne betyde kun én ting: moderne fotografering var undervurderet. For en gang ikke-kunst, der nu ikke kun har sine gamle mestre, men traditionelle forretningsmetoder, har det været snarere et chok. Ligesom det nu viser sig muligt at betale mere for en Jeff Koons end en Corot eller for en Cy Twombly end en Rembrandt, Andreas Gursky, som den nuværende rekord indehaver for den dyreste fotografi nogensinde er taget (et farvebillede af en discountbutik, der gik tidligere på året for 3,3 millioner dollars), tilsyneladende kan sælge et fotografi til mere end et museum fuld af gamle mester fotografer. Naturligvis vil det have en sive-down effekt: som med så mange fotografer, der udstiller i dag, kan jeg kun sige, at så rystet var jeg på at høre de første rapporter om Gursky overskydende, blev jeg flyttet til at ringe til mit galleri og hæve mine egne priser.

Den nye grammatik af fotografering som samtidskunst skylder noget til den tidligere stigning i fotorealisme: fotografering igen efterligne maleri, men denne gang er det efterligne maleri, der efterligner eller i det mindste referencer fotografering. Den nye fotografering er ofte en tilsyneladende inkongruent blanding af kunstgreb og bogstavelighed, der, som med alle uoverensstemmelser i kunsten, lejlighedsvis producerer ren og skær glans og for det meste producerer bunker af høj kitsch, hvilket betyder kunst, der stræber mod resonans, men udretter kun let fornemmelse. I samtidskunsten er det fælles resultat blot et billigt gys. Problemet med nogen nyslået kitsch er, at du ikke kender det, når du ser det; fordi det er så nyt, det selv passerer for cool. Victorianere vidste ikke de akademiske malerier, de købte til deres stuer var kitsch; de troede, at kunsten var helt i den tilstand, som det var. Det er altid overladt til senere generationer at fortælle os, at vi var idioter til at tænke kunsten af vores tid leveret så meget mere, end det gjorde.

fotografer

Som i de forløbne år, bragte foråret i New York store fotografering udstillinger på byens museer, årlige forhandler messer på syvende Regiment Armory, og den halvårlige fotografering auktioner på de store huse. På Museum of Modern Art, var Jeff Wall udstillingen tiltrækker betydelig opmærksomhed. Wall er en af de fotografer, der har gået broen fra fotografering til samtidskunst; faktisk, på sin hjemmeside side for udstillingen, MoMA opgraderet sin status fra “fotograf” til “kunstner.” Wall’s værker er store format billeder, tændte bagfra i lysboks format, af scener iscenesat af Wall-scener beboet af den stiliserede, illusorisk virkelighed biograf. Når Wall ønskede at fotografere folk venter på at komme ind i en Vancouver natklub, han havde klubbens facade bygget i sit atelier, så separat fanget og digitalt samlet stykkerne. I Wall’s fotografering, fungerer udtrykket efter planen, som i maleriet, hvilket gør det polære modsatte til gadefotografering (et dårligt udtryk nu fortrængt af en værre: “dokumentarfilm” fotografering). Selve pointen med dokumentarfilm fotografering er, at fotografen har afsløret og i sidste ende fortolket en fundet, autentisk begivenhed i et blink med øjet, det vil sig (for at bruge den berømte sætning af Henri Cartier-Bresson), i det “afgørende øjeblik.”

Det faktum, at Wall, mens levende og sund, får omkring en million dollars for en omhyggeligt planlagt billede, og at sene udskrifter af ikoniske Henri Cartier-Bresson fotografier er steget siden mesterens død i 2004 fra $ 4.500 til omkring $ 18.000 giver en antydning af den på hovedet verden, at fotografering markedet er blevet. Det var kun et par år siden, at den fotografiske verden tittered med harme over nyheden om, at Robert Doisneau berømte The Kiss af Hôtel de Ville (1950) -et billede af et par i fuld-bar smooch mens gadelivet i Paris kørte ubemærket omkring dem-var ikke et afgørende øjeblik, men en iscenesat begivenhed, udført med betalte modeller. Generel harme kom fra en følelse af at blive snydt, af fotografen ikke har spillet fair i henhold til reglerne i spillet som dengang skrevet. Så trofast gjorde samlere tror på disse regler, ingen syntes at lægge mærke til, på trods af passage af årtier, at de samme modeller er tilsyneladende parret set kysse i en anden populær Doisneau billede, Square du Vert-Galant (1950). Doisneau, selv i døden, ikke kommando en million dollars for et print; han døde (i 1994) en fotograf, ikke en kunstner.

På Works on Paper show på arsenal i denne sæson, blev fotografering behandlet som enhver anden kunst lavet på fiber. Et svensk galleri var profilering de store fotografier af en ven af en ven; Jeg havde husket fotografen fra en Park Avenue fest som både engagerende og charmerende, men udstillet her var et selvportræt, der viste hende siddende, et bryst eksponeret, entusiastisk onanere. Moderne indhold handler om noget, hvis ikke chok og selvoptagethed, og som jeg har vist på disse sider før, støtter jeg kvindelig autoeroticisme i alle dens former. Mere specifikt skrev jeg positivt om Christian Schad‘s Two Girls (1928), henrettet i olie på lærred; Fotografiet viste imidlertid, hvorfor grammatikken i maleri og fotografering split tidligt: hvad der går som opfindsomme, dyb og endda lyrisk i maleriet vil, på grund af bogstavelighed af kameraet som en optagelse enhed, kommer på tværs som crass og uværdig i fotografering. Jeg vil ikke sige mere om det, fordi jeg tror, at fotografen har godt arbejde foran hende, og fordi vi alle har vores bortfalder og har regninger til at betale. Association of International

Photography Art Dealers (AIPAD) holdt også sit årlige show på arsenal, efter tæt på Works on Paper. “Der har været en stor kollision med samtidskunst, og vi forsøger at rede det ud, efter at det nogle fik svejset sammen på virkningen,” sagde Burt Finger of Photographs Do Not Bend Gallery, som netop er flyttet til en ny placering i Dallas. “Det bliver svært at fortælle fotograferne fra malerne uden et katalog,” tilføjede han. “Priserne er skandaløse, fordi vi har kolliderede med kunstmarkedet, vi har taget på en smule af glans af kunstmarkedet-på godt eller ondt, ved jeg ikke.”

Henri Cartier-Bresson og Sebastião Salgado

Peter Fetterman, der har en luftig, eponyme galleri i Santa Monica, havde også deltaget i Works on Paper og er kendt for at støtte afgørende øjeblik fotografer som Henri Cartier-Bresson og Sebastião Salgado. “Det er et blomstrende marked, er det ikke?” sagde han. “Jeg tror, at hele fotografering markedet eksploderer,” med den virkning, at hans segment af markedet var omfattet af kollisionen af den nye fotografering med samtidskunst. Men han straks tilføjet en note af forsigtighed: “Jeg tror, det moderne segment af markedet spiller roulette. Du er nødt til at spørge, hvilke af disse kunstnere vil have lang levetid, og jeg er lidt forstyrret af det. Nogle af disse mennesker er lige ud af foto skole, men er meget hyped op, “hvilket er grunden til, uanset fristelser præsenteret af den nye, er Mr. Fetterman stikning med de gamle mestre og med levende eksponenter for afgørende øjeblik fotografering som Salgado og Elliott Erwitt. På sin stand i et langt hjørne, min kollega New Orleanian Joshua Mann Pailet, hvis afslappede franske kvarter galleri jeg havde for nylig besøgt, nu tilføjet: “Vi trækker et større publikum. Alvorlige samlere kommer fra andre discipliner i disse dage, såsom maleri; der er helt sikkert en masse drift, og det påvirker priserne.”

mindst tre gallerier

Jeg havde ikke hørt om Mona Kuhn før, men jeg talte mindst tre gallerier viser hendes store farveudskrifter af flotte unge mennesker på en nudist koloni i Frankrig. Jeg havde heller ikke hørt om Steven Klein, men Wessel + O’Connor Fine Art of Brooklyn bar sin serie viser et sæt Clairol-blond tyske trillinger og modedesigner Tom Ford i forskellige tableauer. Den mest spændende af serien havde Mr. Ford forbereder sig på at buff den nøgne bagside en af de tre med en elektrisk møbelpoler, mens hans brødre holdt ham ved arme og ben, formentlig brændende med søskende jalousi over ikke at dele oplevelsen. Dette billede bragte en smule kunstsprog fra et galleri repræsentant-om, hvordan kunstneren giver kommentarer til forholdet mellem berømthed og virkelighed i det moderne samfund. Fordi jeg er ligeglad så meget for forklaringer, jeg var ganske tilfreds med at læse billedet som: Der er Tom Ford, klædt i en pænt skræddersyet jakkesæt, polering en tysk nøgne. Selve det faktum, at en forklaring blev anset for nødvendig, viser imidlertid et af de problemer, der opstår som følge af den smertefulde overgang fra fotografering til samtidskunst: indtil nu har fotografering aldrig krævet en forklaring, der skal forstås. Alle “får” et godt fotografi- cognoscenti simpelthen få det på et højere, mere komplekst niveau. Meget moderne billedkunst, derimod, mislykkes som kunst uden støtte for verbal eller skriftlig forklaring.

amerikansk kunst

For at illustrere: For nogle år siden havde Whitney Museum en udstilling af Robert Mapplethorpe fotografier. Uanset om det var et billede af et hangarskib på havet eller rang homoerotic pornografi, alle, der kom til udstillingen forstod, hvad han så. I modsætning hertil smækkede jeg engang på en tur givet på en af museets til tider snørklede toårige anmeldelser af amerikansk kunst. Docent tog os til hvad der lignede en rack af viskestykker lavet af plast. Jo mere vores fortæller talte, forklarer kunstnerens metoder, intentioner og Weltanschauung, jo mere viskestykker voksede til kunst. Så snart docent venstre, men den del af, hvad jeg kiggede på det var kunst samlet op og bugserede bag ham, forlader mig til at stirre igen på viskestykker. Det var til dels fra denne erfaring, at jeg har udviklet Behr’s første lov af samtidskunst: at være kunst, skal et værk være kunst uafhængig af kommentarer. Det vil altså, hvis et stykke skal forklares for at blive forstået af et rimeligt sofistikeret publikum, er det ikke kunst. Smitten af krævede forklaring er nu gået til fotografering i sin fest som samtidskunst-og det er sandsynligt, at fortsætte med at sprede sig, båret af parasitten af overpricing.

Desværre for mig, jeg formoder, jeg er strengt gammel skole i mine arbejdsvaner: Jeg skulder kamera og linse, holde nogle sort & hvid film i en lomme (digital capture er ikke helt der endnu), og off jeg går, helst omkring New York City eller Paris-verdens to bedste byer for at afsløre den menneskelige komedie. Jeg arbejder ud fra den tro, der sporer på alle afgørende øjeblik fotografer: billederne er der altid; Hvis du ikke bringer interessante fotografier tilbage, er det fordi du ikke har været åben for at finde dem. Jeg fortsætter med at få varm tilfredshed fra aldrig at have vist en sofistikeret person et fotografi og få ham til at svare: “Hvad betyder det, præcis?”

Flere artikler:

I alle epoker

I alle epoker husker alle tænkende mænd og kvinder, hvor meget bedre tingene var, da de var unge; i sandhed, vi kun narre os selv til at tro, at livet var bedre dengang, når det er ungdommen selv, at vi savner. Men jeg kan kærligt huske den tid, mens jeg stadig var i college, spurgte jeg Ansel Adams, hvad det ville koste for et print af hans uforlignelige Sierra Nevada fra Lone Pine, Californien (1944); han svarede det kom i to størrelser, for $ 300 og $ 500 hhv. Min mor trådte til for at minde mig om, at begge trustfonde, som jeg afhang af for støtte, var overbevisende underfinansierede. Jeg reflektere over, at forspildte mulighed, hver gang jeg ser den nuværende auktion skøn over senere udskrifter af billedet, der kører i $ 30.000 til $ 50.000 rækkevidde, men når man tænker på, hvor langt syd for en million dollars, du har brug for at bruge til et mesterværk af en gammel mester i mediet, kan vi klassicister stadig tage hjertet.